Le Mostre e gli Eventi dell’arte.

Un consiglio a tutti gli appassionati del fantastico mondo dell’arte è quello di andare a vedere per chi ha la possibilità questa interessante Mostra nella città di Milano intitolata:

Il volto del 900′. Da Matisse a Bacon” che dal 25 Settembre è iniziata presso il Palazzo Reale.

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Una stupenda Mostra che proseguirà sino al 9 Febbraio del 2014 in cui potremo vedere i vari cambiamenti e lo studio dei volti durante il Novecento attraverso degli straordinari capolavori (più di un ottantina) tra ritratti e autoritratti realizzati da celebri artisti che provengono dal Centre Pompidou di Parigi. Il tutto sotto l’Alto Patronato del Presidente della Repubblica Italiana e a cura di Jean Michel Bouhours, conservatore del Centre Pompidou di Parigi. Vedremo in questa occasione opere di grandi maestri come Matisse, Bacon, Modigliani, Magritte, Mirò, Giacometti, Max Ernst e tanti altri ancora.

Aspetto le vostre impressioni.

 

Per tutte le informazioni visitate il sito Del Comune di Milano

Si è già parlato brevemente del Puntinismo, ossia di quel Movimento artistico che nasce in una frenetica Francia durante un periodo culturalmente ricco e pieno di novità per l’arte che è la fine del secolo Ottocento (leggete l’arte dell’Ottocento).

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Il Puntinismo prende il nome a seguito di alcune nuove ricerche effettuate da alcuni studiosi sulle caratteristiche della luce, la sua scomposizione e come noi vediamo i colori. Interessanti studi visivi ed esperimenti sui colori che faranno appassionare molti uomini e che saranno espressi soprattutto nel campo dell’arte e della pittura. Infatti si realizzeranno bellissime opere d’arte da parte di quelli che vengono considerati oggi tra gli artisti più importanti di questa corrente che è il Puntinismo. Di questi sicuramente dobbiamo citare il maestro francese Georges Pierre Seurat e uno dei suoi più grandi discepoli, cioè Paul Signac. Quella che vediamo qui sopra è l’immagine di una di queste opere d’arte che sono state realizzate con la tecnica del puntinismo. Si tratta del famoso dipinto con colori ad olio su tela intitolato Il Palazzo dei Papi ad Avignone realizzata dall’artista francese Paul Signac intorno all’anno 1900. le sue dimensioni sono di 73,5 centimetri di altezza per 92,5 centimetri di larghezza ed è collocato per poterlo ammirare nel Musée d’Orsay di Parigi. La prima cosa forse che possiamo notare ammirando da vicino quest’opera è come delle piccole macchioline di colore che vengono stesi puri e che sono accostate sulla tela riescono a fondersi tra di loro nel momento che li guardiamo da una precisa distanza, dandoci ai nostri occhi la bellissima e perfetta illusione di immagine del paesaggio francese. Questa è una delle caratteristiche delle opere con la tecnica del Puntinismo. Riconosciamo in essa sulla parte sinistra il celebre ponte di Avignone, realizzato da Signac con alcune pennellate di tonalità verde, mentre i colori viola e rosa-arancio ci fanno pensare attraverso i loro toni ad alcune opere impressioniste, come per esempio quelle delle celebri Cattedrali di Monet. Signac ha voluto rappresentare in questa sua opera il paesaggio con il Palazzo dei Papi che troviamo ad Avignone (vediamo nell’immagine sotto un particolare del paesaggio reale che possiamo confrontare con l’opera di Signac).

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Questo è uno dei più grandi e importanti edifici medioevali in stile Gotico dell’Europa. Il nome deriva dal fatto che nel 1309 a seguito di gravi problemi avvenuti a Roma, la città di Avignone divenne una delle residenze che ospitavano i Papi in fuga. Recentemente, nell’anno 1995 il Palazzo dei Papi è stato anche dichiarato patrimonio mondiale dell’Umanità.

 

Una breve descrizione dell’opera Le due sorelle di Pablo Picasso.

Tra i tanti celebri lavori che L’artista Pablo Picasso realizzò durante la sua lunga e straordinaria carriera vi è anche un bellissimo e triste dipinto intitolato Le due sorelle. Vediamo qui sotto una immagine di quest’opera.

Quest’opera oltre che come Le due sorelle è conosciuta anche col nome di L’incontro, sicuramente per il tema trattato ed è un dipinto realizzato da Picasso nell’Estate dell’anno 1902, mentre si trovava nella città spagnola di Barcellona.

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Pablo Picasso opera Le due sorelle o L’incontro

L’opera d’arte conosciuta nel mondo con il titolo di Donna imbellettata o Margot è uno dei bellissimi e numerosi lavori realizzati agli inizi del secolo Novecento dal celebre artista spagnolo Pablo Picasso. Sotto nell’immagine vediamo un particolare dell’opera di Picasso Donna imbellettata.

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Pablo Picasso opera Donna imbellettata

Grazie

scultura,movimento in arte,arte - linguaggi e temi,arte,tecniche di scultura,arte grecaIl movimento nella scultura. La scultura, questo meraviglioso termine che ci indica un mondo affascinante è una forma d’arte tra le più importanti e difficili, al punto che in tempi passati veniva considerata soprattutto appannaggio per soli uomini “veri”. Antichi scultori che dovevano spesso avere come requisiti principali oltre che un grande talento artistico e una abilità tecnica anche una grande forza fisica per imporre la propria arte e le proprie idee a suon di scalpello alla dura e grezza materia inerme. Per il grande artista e celebre scultore italiano Michelangelo Buonarroti, considerato con pieno merito tra i più grandi di tutta la storia dell’arte, la scultura era la prima e la più sublime tra le forme d’arte conosciute allora. L’opera per il Buonarroti era già imprigionata all’interno della materia grezza da lavorare e quindi per lo scultore bastava soltanto togliere il di più, il superfluo con duri e giusti colpi di scalpello allo scopo di liberarla.

Pensieri davvero affascinanti, ma noi qui vogliamo semplicemente parlare (anche per stuzzicare un po’ la vostra grande passione) di come siano cambiate alcune importanti idee nella scultura relative al movimento nelle statue che raffigurano delle figure umane attraverso i vari periodi storici. Sappiamo innanzitutto che sin dall’antichità si è sempre cercato il modo giusto per poter rappresentare attraverso delle opere scultoree la figura umana che fosse il più vicino possibile alla realtà. Quindi anche cercando di dare a esse una filo di vita e di movimento. Questa ricerca sul movimento è sicuramente legata alle conoscenze e ai vari mezzi tecnici che si sono avute durante le diverse epoche storiche. Comunque già durante il periodo di quella gloriosa e straordinaria civiltà dell’antica Grecia (dal IX al I secolo a.C. Circa) si aveva la conoscenza del raffigurare il movimento nelle opere d’arte. Soprattutto agli inizi del periodo greco definito dagli storici dell’arte come Arcaico (VI secolo a.C.) la scultura incominciò una fase di continua e grande evoluzione sia tecnica che formale, spesso dovuta alle grandi rivalità o le concorrenze che esistevano tra le più importanti città greche o tra i suoi artisti. Città come per esempio Atene, Sparta, Olimpia o Delfi tanto per citare le più famose che si davano battaglia attraverso le abilità e i virtuosismi dei loro artisti. La figura umana nella scultura greca era inizialmente nel periodo arcaico raffigurata con caratteristiche quasi del tutto statiche. Il movimento nelle opere o non veniva rappresentato affatto o era reso in modo abbastanza goffo e inesatto. Celebri in questo periodo sono alcune statue eseguite dagli artisti greci tra il VI e il V secolo a.C. con la tecnica a tutto tondo che rappresentano dei giovani maschi, i Koùroi o delle fanciulle, le Korai entrambi realizzati con una posizione molto rigida e immobile e con una posa sempre frontale (ne vediamo un esempio in alto per zoomare cliccate sopra le immagini). Queste statue erano realizzate soprattutto per celebrare le ricche famiglie aristocratiche dell’antica Grecia e per questo venivano create per dare un grande senso di raffinatezza e di eleganza. Le statue sia quelle maschili che femminili presentavano di solito delle acconciature molto complesse (tecnica della perlinatura) e gli abiti delle fanciulle venivano dipinte. In seguito con la scoperta e lo sviluppo della tecnica scultorea chiamata fusione a cera persa, si è fatto un importante passo in avanti nella scultura greca. Gli artisti iniziarono a studiare e a rendere meglio il senso del movimento nelle loro opere realizzate in bronzo che divennero nel tempo sempre più complesse e ricche di dettagli. Da allora i più celebri scultori greci elaborarono e diedero all’idea di movimento della figura umana una grandissima importanza, andando a realizzare dapprima statue con movimenti appena accennati sino ad arrivare col tempo alla realizzazione di straordinari e unici capolavori scultorei talmente complessi, con molteplici e perfetti movimenti naturali e con dei virtuosismi tecnici-artistici davvero unici che soltanto dopo moltissimi secoli (dal Rinascimento in poi) alcuni grandi maestri sono riusciti in parte ad eguagliare e poi anche a superare con grande merito.

Il movimento sospeso che viene diviso in pause.

scultura,movimento in arte,arte - linguaggi e temi,arte,tecniche di scultura,arte grecaDurante il periodo storico della civiltà greca conosciuto nell’arte col nome di periodo Severo, gli scultori studiano un linguaggio nuovo per le loro opere. Le novità arrivano soprattutto nella resa del movimento con delle soluzioni nuove e molto efficaci rispetto a quelle arcaiche anche grazie come abbiamo detto alle nuove tecniche nella lavorazione del bronzo. Le figure umane delle statue abbandonano nel tempo la posa frontale delle Kourus per conquistarsi lo spazio intorno a loro. Il movimento durante il periodo dell’arte Severa viene studiato e visto da alcuni artisti come se fosse diviso in una serie di pause. Gli scultori greci vogliono rappresentare la figura umana in modo che ogni osservatore possa intuire sia il movimento precedente che quello successivo al preciso istante che viene immortalato nelle loro opere. Un famoso esempio di tutto questo si può notare guardando la bellissima statua in bronzo collocata presso il Museo di archeologia Nazionale di Atene (una delle poche e originali opere greche arrivati per fortuna sino a noi) del Cronide trovato nel fondale del mare di Capo Artemisio in Grecia e realizzato intorno al 480-460 a.C. In questa statua è raffigurato un uomo, forse il dio Zeus nell’attimo precedente di scagliare la sua arma che tiene nella mano destra. Purtroppo l’arma non è stata trovata e proprio dal tipo di oggetto scagliato si poteva intuire chi era il personaggio rappresentato. Se era un fulmine poteva essere Zeus, se era un tridente invece il dio del mare Poseidone. Il movimento naturale rappresentato in modo perfetto coglie il personaggio nel preciso istante in cui nella massima tensione si ferma in una impercettibile pausa per controllare tutta l’azione del lancio, aiutato anche dalla mano sinistra perfettamente tesa in avanti che serve a prendere la giusta mira. Il peso del corpo viene scaricato sulla gamba sinistra che è immobile mentre la destra è leggermente divaricata e arretrata. Il movimento del torace che gira leggermente ci da perfettamente il senso del lancio che sicuramente avviene nell’istante dopo. È tutto ben studiato e ponderato dall’anonimo ma bravissimo artista greco in questa sua statua e per questo essa è considerata come un grande capolavoro della scultura in generale. Nel tempo anche in altre grandissime e celeberrime opere di scultura si riprenderanno e si svilupperanno queste importanti idee sul movimento e le sue pause come per esempio nella straordinaria opera del periodo Classico che tutto il mondo conosce e ammira col nome di Discobolo di Mirone (circa 450 a.C.).

il movimento che trasmette emozioni, drammaticità e forte pathos.

scultura,movimento in arte,arte - linguaggi e temi,arte,tecniche di scultura,arte grecaÈ ancora nella scultura greca e nel tempo tra i vari periodi (Severo, Classico, Ellenico) che gli artisti continuano a esprimere e a concepire il movimento nelle loro opere, anche con caratteristiche a volte nuove, capaci di trasmettere delle forti emozioni e pathos in chi li ammira. Intorno al secolo II a.C., nel periodo definito nell’arte Ellenista fu realizzata ad opera di uno scultore greco rimasto anonimo una statua che rappresentava un giovane fantino su di un cavallo in corsa (la vediamo qui a lato). Anche questa statua così come quella del Cronide è stata ritrovata presso il territorio della Grecia chiamato Capo Artemisio e oggi la possiamo trovare presso il Museo archeologico Nazionale di Atene. Quest’opera raffigura un movimento concitato e frenetico di un cavallo lanciato a forte galoppo con sul dorso, senza l’ausilio di una sella vi è aggrappato un giovanissimo ragazzo. La composizione e il movimento è tutto proiettato in avanti. L’artista greco ha descritto il tutto in modo perfetto e naturale. Il cavallo ha le orecchie abbassate, le narici dilatate e la bocca aperta a testimoniare il grande sforzo che sta facendo. Ogni muscolo dell’animale è teso e si prepara per realizzare il balzo che forse farà vincere la gara al suo giovane fantino. Ho parlato di una gara forse perché il fantino sembra davvero molto eccitato nel viso e sembra quasi dare l’idea che voglia spingere il cavallo ad un ultimo grande sforzo. Inoltre il giovane vestito di una semplice veste del tempo si gira come se voglia controllare eventuali avversari della gara. Tutto questa tensione e movimento ci trasmettono delle emozioni e un forte pathos. Lo sguardo di chi osserva l’opera poi tende a spostarsi da essa verso un punto avanti ad essa nella direzione del moto. Un altra straordinaria opera ellenica è anche il Laocoonte eseguito dallo scultore Agesandros e dai suoi figli.

Il movimento detto a spirale o serpentino.

scultura,movimento in arte,arte - linguaggi e temi,arte,tecniche di scultura,arte grecaCome detto in alto, dal periodo del Rinascimento in poi vi sono stati alcuni grandi maestri che contribuirono a sviluppare le idee e i concetti relativi al movimento nella scultura. Grandi geni e veri talenti dell’arte come il già citato Michelangelo Buonarroti che divenne il maestro per tanti altri artisti che vennero dopo di lui. Tra gli scultori che subirono il grande fascino e i suoi influssi positivi attraverso i lavori del Buonarroti possiamo citare sicuramente il celebre scultore italiano conosciuto come il Giambologna (1529-1608). Lo studio e lo sviluppo sul movimento nelle sue opere raggiunge davvero nuovi orizzonti sia nei linguaggi che nella tecnica sublime. Ammirata da tutti per il grande virtuosismo del Giambologna nel realizzarla è per esempio l’opera scultorea in marmo chiamata il Ratto delle Sabine (vediamo a lato) realizzata intorno all’anno 1583 circa, oggi collocata presso La Loggia dei Lanzi nella città di Firenze. Questa meravigliosa opera come il titolo ci fa capire raffigura tre personaggi in una scena movimentata e molto drammatica. Vediamo un cittadino Sabino che è il vinto, un giovane romano che è il vincitore e una donna sabina che sta per essere rapita dal romano e che con un ultimo colpo di reni cerca disperatamente di liberarsi da quell’abbraccio forzato. Sembra proprio che la donna aiutata dalla spinta offerta anche dal suo braccio destro, riesca a sgusciare dalle mani del suo rapitore. Il movimento qui è reso al massimo e trasmette perfettamente tutta la tensione e il dramma che si vive nella scena. Esso è del tipo a “spiraliforme”, cioè a formare dei giri concentrici e appunto a spirale. I tre personaggi raffigurati sono legati soltanto dal gioco degli incroci degli sguardi intensi. I corpi si muovono in direzioni diverse e costruiscono in questo modo una complessa formazione a serpentina.

Il movimento che viene annullato nell’opera di Bernini.

scultura,movimento in arte,arte - linguaggi e temi,arte,tecniche di scultura,arte grecaDurante il Seicento gli artisti esponenti della nuova corrente denominata Barocca sviluppano un tipo di arte molto particolare, che esaltava i grandi sfarzi dei nobili e delle potenti corti di re e imperatori realizzando nelle loro opere delle scene molto ricche di dettagli e con un taglio spesso teatrale. Anche nella scultura Barocca si affronta il movimento con occhi e idee nuove per adattarle proprio al pensiero del tempo. Un grande esempio dello stile Barocco ci è dato dalle stupende opere realizzate dal grande maestro italiano Gian Lorenzo Bernini (1598-1680). Qui a lato vediamo l’opera intitolata Apollo e Dafne realizzata dal Bernini intorno all’anno 1622-25 che ci narra una famosa scena mitologica. Questa è la triste storia raccontata dal poeta latino Ovidio della metamorfosi di Dafne una ninfa amata dal dio Apollo che poco prima di essere raggiunta dall’amato si trasforma in una pianta di alloro. Nell’opera vediamo Dafne che lancia un grido di disperazione e di dolore mentre inizia a trasformarsi. Infatti vediamo già i piedi, i capelli o le mani che diventano delle foglie e dei ramoscelli. Il Bernini ha fermato il preciso istante degli ultimi passi di una corsa sfrenata con le due figure che sembrano essere leggere nel momento finale della corsa. Il movimento leggero dei due è percepito perfettamente anche se nello stesso momento vediamo anche quella parte di tronco e foglie in basso che ci trasmette un senso di immobilità forzata per Dafne e che indica che quello fatto da Apollo è stato l’ultimo passo, l’ultimo movimento per la sua corsa. Il Bernini in puro stile Barocco vuole meravigliare il pubblico che osserva quest’opera con un effettivo movimento contrastante della scena. L’artista gioca con la naturale e ovvia staticità della statua e con le impressioni che il movimento raffigurato ci trasmette. Questo infine viene esaltato anche dall’ultimo impeto di Dafne che sollevando le mani cerca disperatamente di staccarsi in un salto proprio nell’istante in cui viene “ibernata” dalla trasformazione in una posizione statica.

Il movimento nel Novecento.

scultura,movimento in arte,arte - linguaggi e temi,arte,tecniche di scultura,arte grecaArrivati in tempi più recenti gli artisti ormai hanno studiato e capito il tema del movimento e come poteva essere raffigurato e interpretato. Nel Novecento gli artisti della corrente Futurista invece iniziano a interessarsi soprattutto della rappresentazione del movimento in sé, come se questo fosse il solo soggetto e senza quindi più adattarlo alle esigenze di una figura umana. Il movimento viene studiato scientificamente e si guardano gli effetti che esso produce. Uno degli artisti del Futurismo che più sviluppò questo tema è stato l’italiano Umberto Boccioni (1882-1916) che riuscì a rinnovare la scultura nel Novecento affrontando nuove questioni come il dinamismo di un corpo o le fasi del movimento attraverso le sue celebri opere. A lato vediamo la sua celeberrima opera intitolata Forme uniche della continuità nello spazio del 1913, dove in una scultura in bronzo Boccioni rappresenta una persona che cammina. I vari effetti e le pose del movimento che si hanno negli istanti successivi vengono fuse nell’opera tutti insieme.

 

L’opera futurista intitolata Volo di rondini è un dipinto a tempera fatto su una superficie di carta che ha come dimensioni circa 51 per 76 centimetri realizzata dall’artista italiano Giacomo Balla nel 1913 che oggi possiamo trovare presso il Museo di Arte moderna della città americana di New York.

 

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Giacomo Balla nasce a Torino nel 1871 e dopo aver vissuto una lunga e meravigliosa carriera artistica che lo porta anche a essere tra i più importanti esponenti della corrente Futurista muore nella città di Roma nell’anno 1958, alla bella età di 87 anni. Nella sua opera Volo di rondini (la vediamo qui in alto), così come in tante sue altre Balla ci rappresenta con una tecnica del tutto nuova una delle sue grandi passioni, quella sugli animali e la natura che amava tanto, oltre che le innovative idee artistiche e i concetti sviluppati nel Movimento del Futurismo. Gli artisti nelle loro opere esaltano e sviluppano sopratutto ciò che è progresso e quindi futuro. Grandi invenzioni o concetti astratti come possono essere il movimento di un corpo, il dinamismo o la velocità di una macchina diventano il pane quotidiano per tutti gli artisti futuristi.

L’artista durante il suo soggiorno presso la città di Dusseldorf avvenuto tra il 1912 e il 1913 dipinge altre opere sempre con le rondini come protagoniste, dove fa vedere la tecnica e le idee concepite dal Futurismo italiano. Vediamo rappresentata nel Volo di rondini la scena di uno stormo di questi uccelli in volo fuori da una finestra. Gli uccelli, il loro movimento e la loro velocità vengono raffigurati attraverso una sequenza di immagini scomposte che ci danno il preciso senso del loro movimento e dinamismo. Un po’ come se noi prendessimo una macchina fotografica e la puntassimo su un animale che cammina, scattando di continuo a distanza di attimi numerose foto che poi componiamo in sequenza una accanto all’altra. Il risultato come nelle opere di Balla è proprio quello che vediamo qui con la composizione di spostamenti che nell’insieme danno il movimento finale al volo degli animali.